# 18: Grizzly Man (2005)

Probablemente una de los mejores documentales jamás realizados, Werner Herzog retrata la historia de Timothy Treadwell, un hombre que durante 13 veranos convivió con unos osos grizzlies en un remota región de Alaska, hasta su muerte provocada por los propios osos que tanto queria y protegía.

Una obra maestra que estudia la vida de Treadwell y la relación con los osos y con sus amigos o próximos. Un hombre que nació para vivir y para amar a esos animales, un inadaptado que encontró su sitio en plena naturaleza salvaje.

A destacar: Un final magnífico para un documental atípico, la escena en la que el propio Herzog escucha la cinta de los últimos minutos de vida de Treadwell.

Las mejores películas de la década (2000-2009)

# 19: Banderas de nuestros padres (2007)

Antibelicista, dramática y desmitificadora, todo esto es la película de Clint Eastwood, un relato sobre unos héroes redimidos, héroes de guerra, un retrato de la América en guerra, sobre la amistad y el compañerismo, la raza....

Junto con su homóloga "Cartes desde Iwo Jima", este film repasa la famosa batalla de Iwo Jima, desde el punto de vista de unos muchachos americanos, que pasaron de soldados a estrellas médiaticas del día a la mañana.

A destacar: La escena del asalto a la playa, la progresiva desmitificación de los protagonistas, la puesta en escena.

Las mejores películas de la década (2000-2009)

# 20: Big Fish (2003)

Bonita, nostálgica y meláncolica fábula burtoniana, basada en una novela de Daniel Wallace, que retrata entre otros temas la relación paternofilial, los relatos de la imaginación, la vejez y los sueños hechos realidad, una película feliz y optimista pero con una atmósfera muy típica de las películas de Burton.

A destacar: El maravilloso elenco de actores, el final, la dirección de Burton.

Las mejores películas de la década (2000-2009)

Las mejores 20 películas de la década.

Pues este mes nos espera un especial muy especial, el 31 de Diciembre cerramos una década, diez años repletos de films magníficos, hoy la primera entrega.

Promesas del este ; promesas de verdad

El inquietante y perverso David Cronenberg, filma, la que es, probablemente la obra cúspide de su carrera cinematográfica, un duro y soberbio retrato de la mafia rusa en Londres. Una obra realizada con una técnica, esmero y una sobriedad electrizantes, una obra que se mantiene entre otras cosas por la creíble, fría y perversa interpretación de Viggo Mortensen, acompañado aquí por la inglesa Naomi Watts y con un planel de secundarios gloriosos, como Vincent Cassel, o Armin Mueller-Stahl.

El film entre sin remordimientos ni concesiones en las bases de la familia, la fidelidad y la paternidad, creando un estado de tensión en toda la película, sin la necesidad de realizar secuencias de acción (realmente sólo hay una, pero filmada y desarollada de una forma magistral) ni situaciones estereotipadas. En conjunto, el film, es creíble y realista, historias de la calle, historias de verdad.

Hay que destacar lo fluida y maravillosa que es la relación entre los dos protagonistas (Mortensen y Watts), una relación contenida, distante, peligrosa, pero de una pasión silenciosa desbordante.

Filmada con tonos grises y oscuros en el film no se reproduce ni una pizca de alegría ni compasión, pero sí, un atisbo de esperanza (representada mediante el bébe) de que puede haber luz al final del túnel,o de que puede haber un destino feliz y glorioso, sin la necesidad de rebajarse uno mismo.

Estudio: David Lynch (I)

Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946, nace David Lynch, hijo de un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y de una profesora de lengua, estereotipos de la clase media americana de la época. Lynch crece feliz, en un entorno familiar y natural, el joven se hizo boy scout a los 15 y participó en la toma de posesión de John Fiztgerald Kennedy. Lynch crece y comienza ha interesarse por el arte, la pintura sobretodo. La familia se muda a Alexandria, Virgínia, dónde Lynch empieza a darse cuenta de que la vida no es tan maravillosa como lo parecía. Empieza a estudiar en escuelas de arte, le interesa sobretodo el arte expresionista y en especial el pintor austríaco Oskar Kokoschka.

En 1966 se instala en Filadelfia y empieza a mostrar un creciente interés hacia el cine, ese mismo año dirige su primer corto : Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermos, o enfermando") al que le siguieron The Alphabet
y The Grandmother, por el cual consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute. Ahora ya podía abordar su primera película: Eraserhead (Cabeza Borradora)

Andrew Dominik, talento oceaníco.

Director con tan solo dos películas, nacido en Wellington (Nueva Zelanda) el 1967, pero de origen australiano, estudió en la Swinburne Film School de Melbourne donde se graduó en 1989, sus primeros trabajos consistieron en videoclips musicales, como la canción de The Cruel Sea, The Honeymoon is Over (http://www.youtube.com/watch?v=KKnVp8GWTRE).

En el 2000 dirigió su primera película, Chopper, un biopic sobre el famoso criminal australiano Mark Brandon Read, alias Chopper, con Eric Bana en el papel protagonista y con la que es sin duda su mejor interpretación hasta la fecha, una película en la que tuvo que engordar muchos kilos, conocer al propio Chopper y tatuarse toda la espalda y el pecho.
La pelicula, repleta de humor negro y de guiños al cine de Scorsese, narra la vida de el criminal, el tiempo que pasó en la cárcel y sus primeros asesinatos. Es un más que correcto film independiente (una de las mejores películas australianas en muchos años), con la que Dominik comenzaría a cosechar cierta fama.

Tardó unos siete años en realizar su segundo y mejor film, una obra maestra de largo título y duración, llamada: El asesinato de Jesse James por el conarde Robert Ford; un western crepuscular interpretado por Brad Pitt y Casey Affleck (los dos magníficos, pero sobretodo el segundo) en el que se desmifica y se narra sin ningún tipo de concesión y sensiblerismo la historia del bandido/criminal Jesse James.
Un obra de arte de casi 3 horas ( la versión original aún inédita dura 4), en la que sobresale una de las fotografías más impactantes, bellas y meláncolicas de la historia del cine (bajo la tutela del viejo maestro Roger Deakins) y una turbadora y alucinante banda sonora compuesta por los (fantásticos) músicos Nick Cave y Warren Ellis.

Dominik, adaptando un libro de Ron Hansen, hace una muestra de su técnica y de su poderío con esta película, una obra gigantesca, con ecos a Malick (trabajó como ayudante de dirección en "El nuevo mundo" del propio Malick) e incluso al mejor Peckinpah (Pat Garret y Billy the Kid), un ejercico totalmente objetivo y justiciero, y una de las obras más infravaloradas de lo que llevamos de siglo.

En la cuerda floja ; el fantástico hombre de negro.

Johnny Cash, cantautor, rebelde, figura nacional, el hombre de negro; moría el 2003, dos años después, el director James Mangold firmaría, hasta ahora, su mejor película, un fantástico biopic sobre el músico americano, interpretado magistralmente, por Joaquin Phoenix (un papel que ha marcado toda su carrera) y Reese Whiterspoon (que gasnó el Oscar). Filmada con un gran pulso y una increíble banda sonora, es uno de los mejores biopics musicales de lo que llevamos de siglo, en la que no solo se le da importancia a la música, sino también a la historia de amor entre los dos protagonitas (Cash y la también cantante June Carter).
Una más que interesante propuesta para adentrarse en la vida de este fantástico músico maldito y a la vez bendito, desde su infancia hasta su plena madurez.

Flores rotas ; singular pieza rara de museo.

Jim Jarmusch filma el vacío, los silencios, las escenas sin acción y este estilo está patente en todas sus películas. "Flores rotas" narra una búsqueda, la búsqueda del sentido de la vida para un multimilonario aficionado a las mujeres, pero que en realidad no tiene nada, está vacío por dentro, mediante un frío pero creíble Bill Murray, emprendemos la búsqueda junto a él de ese sentido de la vida, tanto del futuro como del pasado. "Flores rotas" es un film singular, anticonvencional, una pieza rara de museo, pero también es, una experiencia agradable y divertida (aunque hay muy poco humor en la película), es en definitiva, cine independiente. El resultado final puede ser algo frío y ambiguo, confuso tal vez, nos damos cuenta de que todo ha sido un engaño o una broma del director, pero lo suficientemente lúcida para no sentirmos engañados.

Crítica: Moon de Duncan Jones

Reino Unido 2009

Dir: Duncan Jones

Guión: Duncan Jones (idea) y Nathan Parker

Duración: 97 min

Intérpretes: Sam Rockwell, Kevin Spacey (voz)

Puntación: 9.1 / 10

Lo mejor: Sam Rockwell, la banda sonora, la soberbia dirección de Jones, los decorados, el guión, Sam Rockwell, el robot "GERTY", las sequencias lunares.

Lo peor: Le falta algo de personalidad.

Próximamente una crítica extensa de Moon

Crítica: Ágora de Alejandro Amenábar

España 2009

Dir: Alejandro Amenábar

Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil

Duración: 141 min.

Intérpretes: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac y Michael Lonsdale.

Puntuación: 8.0 / 10

Lo mejor: La dirección de Amenábar, la ambientación, los planos cenitales, la escena del ágora, de lo mejor del cine español en años.

Lo peor: Las interpretaciones, la falta de personalidad del producto, artificialidad, las tontas relaciones amorosas.

City of Live and Death ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián.

La cinta china City of Live and Death (Ciudad de vida y muerte) ha sido la vencedora de la 57 edición del festival de San Sebastián. La película dirigida por Lu Chuan, narra la matanza de chinos en Nankín a manos del Ejército japonés en 1937, hasta 300.000 personas murieron en estos hechos que el director chino ha querido mostrar con su crudeza, sin ahorrar al espectador escenas de ejecuciones, violaciones, decapitaciones y un sinfín de abusos, en una película rodada en blanco y negro. La cinta sonaba como una de las favoritas y al final ha acabado llevándose el premio del prestigioso festival. Un festival en que se han podido ver títulos de la talla de Jim Jarmusch, Ang Lee, Tarantino, Campanella, Rebollo (premio al mejor director), Gilliam....En otros apartados el Premio Especial del Jurado ha sido para Le Refuge, de François Ozon, y los premios a mejor actor y actriz han sido para los protagonistas de "Yo también", Lola Dueñas y Pablo Pineda.
Enhorabuena a los ganadores.

Las mejores 10 bandas sonoras que he escuchado en mi vida: 10#: October Sky (Mark Isham)

Pues lo que dice el título, las diez mejores bandas sonoras que he escuchado en mi vida.
En el número diez el de una película de 1999 dirigida por Joe Johnston, titulada, Cielos de Octubre, un correcto film acerca de la historia de Homer Hickman, un joven muchacho de un pueblo minero, que sueña en convertirse algun día en piloto de la NASA. Interpretada por Jack Gyllenhaal, Laura Dern y el magnífico Chris Cooper.

La banda sonora corre a cargo de Mark Isham (Nueva York 1951), un veterano compositor que tiene en su haber las bandas sonoras de películas como: Crash, El río de la vida, La niebla de Stephen King, En el valle de Elah....

"Cielos de Octubre" es uno de sus mejores trabajos.
http://www.youtube.com/watch?v=Ru-ho1ZZj-4

Maestros Ocultos: Samuel Fuller

Políticamente incorrecto, siempre trató temas controvertidos en todas sus películas, haciendo gala de una valentía y una pasión impropias en aquella época. Nacido el 12 de agosto de 1912 en Massachussetts, Samuel Michael Fuller, fue vendedor de períodicos, reportero del New York Evening Graphic y soldado en la Segunda Guerra Mundial (con misiones en Africa, Normandía y Sicilia) antes de convertirse en director de culto. Su primer trabajo como director, fue un documental de la liberación del campo de concentración de Falkenau, trabajo, por el cual fue condecorado por el ejército norteamericano. Desde entonces empezó a escribir guiones y en 1949 dirigió su primera película, "I shot Jesse James", en la que demuestra la línia que va ha seguir toda su obra, aquí, el héroe es el hombre que dispara por la espalda al forajido.

Su tercer film hizo que surgiera un interés hacia el director, "The Steel Helmet",fue una de las primeras películas acerca de la Guerra de Corea y Fuller se basó en su propia experiencia militar así como en testimonios de los veteranos de la guerra. A partir de entonces, Fuller fue buscado por los estudios cinematográficos más importantes y firmó un contrato para realizar siete películas con 20th Century Fox, entre las que destacan "Fixed Bayonetes!". En 1952 dirigió Park Row, su película favorita , un film en el que demuestra su amor hacia el periodismo.

Los trabajos de Fuller durante los años 1950 y los años 60 siguieron un formato similar: bajo presupuesto y temas controvertidos. Entre 1967 y 1980, Fuller dirigió dos filmes únicamente: "Shark!" y "Tatort - Tote Taube in der Beethovenstraße".
En 1982 estrenó su gran obra maestra, Perro Blanco, una película acerca de un perro que ha sido entrenado para matar a personas de color, esta fue, una película ideal para Fuller, ya que los prejuicios raciales los había mostrado en toda su obra, retratando el racismo como "una enfermedad incurable". La realización de este film provocó mucha controversia entre los estudios por la pólemica que podría crear, dado el tema del racismo, incluso, el film estuvo a punto de ser boicoteado y se hizo toda una campaña en contra suya, que provocó que pasara desapercibido por las salas de cine.

Después de toda la controversia provocada por la película, Fuller se "exilió" a Francia y nunca volvió a dirigir en Estados Unidos, finalmente volvió a California, dónde murió por causas naturales el 1997, a la edad de 85 años.


Aunque Fuller nunca fue considerado un gran director, su obra a trascendido en las últimas décadas, volviéndose, la mayoria de sus películas, en obras de culto y siendo muy elogiado por algunos cineastas contemporáneos. Su obra de gran valentia, retrata con un gran nervio temas "tabús" para la sociedad americana, como son el racismo, la guerra o la violencia, mostrando así la intolerancia y el engreimiento de la nación yankee.

Lebanon de Samuel Maoz se lleva el León de Oro

La cinta israelí de Samuel Maoz, Lebanon (Líbano), es la gran vencedora de la 66 edición del Festival de Cine de Venecia, los premios otorgados esta tarde han premiado a este canto antibelicista que relata 24 horas de la vida de unos jóvenes encerrados en un tanque en la primera guerra del Líbano, en 1982. El jurado presidido por el director Ang Lee, premió a una película con la que Maoz ha tratado de acabar de una vez con los demonios que su participación en la guerra le crearon cuando apenas tenía 20 años, siendo este proyecto un tratamiento para terminar matando a sus demonios interiores. Al recoger el premio, el director quiso dedicarlo a "las miles de personas en el mundo que vuelven de la guerra, como yo, aparentemente bien. Se casan y tienen hijos pero en su interior permanecen vacíos en sus almas". "En el momento en el que dejamos de matar, paramos la guerra ahora es inocente decirlo pero quiero creer que un día acabaremos con ella". Un feliz Maoz acabó su discurso al grito de: "¡Viva el arte cinematográfico. Viva Venecia!".
El film esta interpretado por un magnifico grupo de actores jovenes: Michael Moshonov, Yoav Donat, Itay Tiran Oshri Cohen y Zohar Strauss. Una película que se desarolla por completo dentro del carro de combate que comparten estos soldados y un exterior que se ve a través de las mirillas con las que los soldados deben apuntar o ver el camino a seguir.
Una película que le debe mucho a la magnifíca cinta de animación 'Vals con Bashir' de Ari Folman, que como Maoz, despeja sus demonios interiores con esta cinta animada basada en la misma guerra.
El León de Plata a la mejor dirección ha caído en las manos de la realizadora iraní Shirin Neshat por su película " Women without men". Una película que se desarrolla en el Teherán de los años cincuenta y contiene una dura crítica de la situación de la población y, en especial, de las mujeres y de su falta de libertad. El premio especial del jurado a ido para la comedia del director alemán de origen turco Faith Akin y su "Soul Kitchen", mientras que la Coppa Volpi al mejor actor ha sido para el actor ingés Colin Firth por la interpretación de un homosexual en la ópera prima del diseñador Tom Ford, "A single man", mientras que su homólogo femenino fue para Ksenia Rappoport para el film italiano La doppia ora de Giuseppe Capotondi.
A continuación el resto de los premios:

Golden Lion for Best Film: Lebanon by Samuel MAOZ (Israel, France, Germany)

Silver Lion for Best Director to: Shirin NESHAT for the film Zanan Bedone Mardan (Women Without Men) (Germany, Austria, France)

Special Jury Prize to: Soul Kitchen by Fatih AKIN (Germany)

Coppa Volpi for Best Actor: Colin FIRTH in the film A Single Man by Tom FORD (USA)

Coppa Volpi for Best Actress: Ksenia RAPPOPORTin the film La doppia ora by Giuseppe CAPOTONDI (Italy)

Marcello Mastroianni Award for Best Young Actor or Actress: Jasmine TRINCAin the film Il grande sogno by Michele PLACIDO (Italy)

Osella for Best Production Designer to: Sylvie OLIVÉfor the film Mr. Nobody by Jaco VAN DORMAEL (France)

Osella for Best Screenplay to: Todd SOLONDZ for the film Life during Wartime by Todd SOLONDZ (USA)

Oliver Stone y Hugo Chávez revolucionan Venecia

El polémico y antibelicista Oliver Stone, director de películas como Platton, JFK o Nacido el 4 de julio, presentó ayer en la Mostra: South of Border, un documental en el que Stone retrata a los líderes de los principales países sudamericanos, Hugo Chávez (Venezuela), Cristina Fernández (Argentina); Evo Morales (Bolivia); Lula da Silva (Brasil); Fernando Lugo (Paraguay); Rafael Correa (Ecuador), y Raúl Castro (Cuba). El caos se presentó ayer en Venecia cuando Stone presentó la película acompañado por el comandante de Venezuela, Hugo Chávez, convertido en una estrella de cine, fue aplaudido y firmó autógrafos. El trabajo de Stone ha sido recibido en Venecia con división de opiniones. Unos lo alaban por la necesidad que hay de contrarrestar las críticas que Chávez ha recibido tradicionalmente desde Estados Unidos y otros consideran que se trata de un retrato demasiado positivo de el venezolano.
No es la primera incursión de Stone en el formato documental, ya lo hizo con "Comandante", sobre Fidel Castro, y "Persona non grata", un retrato del líder palestino Yaser Arafat que acabó tratando el conflicto entre árabes e israelíes. Por otra parte, en la sección oficial se presento 36 vues du Pic Saint Loup del veterano director francés y co-creador de la nouvelle vague, Jacques Rivette, que a sus 81 años sigue dirigiendo, eso sí, su película aburrió, en una de sus peores cintas, que no gustó ni a los críticos franceses. Pero la que cosechó más críticas fue Between Two Worlds de Vimukthi Jayasundara (Sri Lanka), muchos han preguntado a la dirección del Festival por qué se ha programado una película como esta en la sección oficial a concurso.

Werner Herzog por partida doble en Venecia.

El alemán Werner Herzog, autor de películas como Fitzcarraldo o Aguirre la cólera de dios, presentaba este mes en el festival de Venecia (del 2 al 12 de septiembre) su nueva película, un remake de una película de Abel Ferrara, Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, con Nicolas Cage y Eva Mendes como protagonistas principales, pues bien, ha dado la sorpresa presentando otra película a competición (la película que se tenía como una sorpresa), "My son, my son, what have ye done", que narra el asesinato de una madre por su propio hijo, (Michael Shannon), por lo tanto, será la primera vez en la historia de este festival que un mismo director competirá con dos películas suyas por el preciado León de Oro, ¿será Werner Herzog el vencedor de este año?


Werner Herzog nació en Múnich en 1942, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera, creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza, alejado del mundo. Según él mismo afirma, no tuvo conocimiento de la existencia del cine hasta los doce años, la misma fecha en la que vio por primera vez un coche. A los 17 años hizo su primera llamada telefónica. El alemán ha ganado premios en Cannes (Mejor director, Gran premio del Jurado...), Berlín (1), San Sebastián (1) y Venecia (2), también ha sido nominado al Oscar por su documental: Encuentros en el fin del mundo (2007).

Festival de Cine de Venecia 2009

Ya falta poco, para que el 2 de septiembre se abran las puertas del Festival de Cine de Venecia en la que será la 66 edición del reputado certamen italiano. Y este año viene cargado de sorpresas en los títulos que competiran por el preciado León de Oro. Como autores más importantes hay que destacar la participación del alemán Werner Herzog (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans), el polémico Michael Moore con un nuevo documental: Capitalism: A Love Story, la vuelta del estadounidense Todd Solondz con "Life During Wartime", el veterano director de terror George Romero con una nueva película de zombies: Survival of the Dead, o la esperada película de John Hillcoat: The Road, con Viggo Mortensen y Charlize Theron y la participación de otros directores importantes como Jacques Rivette, Fatih Akin, Giuseppe Tornatore (que abrirá el festival) o Shinya Tsukamoto.
Además el festival a preparado una sopresa con una cinta que no se ha anunciado pero de la que se espera que sea la de algun realizador mediático (bien podría ser Martin Scorsese, Terrence Malick o James Cameron). Por otra parte en los títulos que no participan en competición hay propuestas interesantes como la española ‘[REC 2]’ de Jaume Balagueró y Paco Plaza, ‘The Hole’ dirigida por Joe Dante, The Informant de Steven Soderberg, ‘South of the Border’ documental de Oliver Stone, ‘Brooklyn’s Finest’ de Antoine Fuqua o las también españolas ‘Gordos’ y ‘Celda 211’. La edición número 66 de la Mostra tendrá como jurado al taiwanés Ang Lee (ganador del León de Oro en 2007), el director Joe Dante, y la actriz Sandrine Bonnaire entre otros. También se premiarán las carreras de Sylvester Stallone y John Lasseter.
Como se puede ver, este año los encargados de la Mostra han hecho un esfuerzo y han programado un festival lleno de nombres propios, que superan a las anteriores ediciones con un grandes realizadores de talla internacional, además este año se ha dado mucho jugo al cine americano en contrapartida con anteriores ediciones muy criticadas por la selección de los films. Iremos informando, poco a poco de lo que va pasando en el festival en los próximos días.

Antes que el diablo sepa que has muerto: de la vieja escuela

Sidney Lumet reputado director de cine, conocido por clásicos como Network (1976), Veredicto final (1982) o Tarde de perros (1975), no tenía ninguna necesidad de hacer una película a sus 84 años, aún así lo hizo, y el resultado es, una de las mejores películas de su carrera, "Antes que el diablo sepa que has muerto", es una maravilla de la cosecha del 2008 (un año en el que el cine brilló poco), un melodrama triste y crudo, letal para los sentidos, en el que se pone en cuestión el concepto de familia. El argumento es como un puñetazo en el estómago: Desesperados por conseguir dinero fácil, dos hermanos, Andy (Philip Seymour Hoffman), un ambicioso ejecutivo adicto a la heroína y Hank (Ethan Hawke), cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hija, conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, y nada de problemas. ¿Alguien confiaba en que este atraco iba a salir bien?. Lumet dirige una obra difícil e irregular ( la cinta esta llena de flashbacks y saltos temporales repetitivos) de una forma magistral, con una sobriedad, precisión y rigurosidad propias de un perro viejo del cine, ningun otro director actual, (joven), podría haber dirigido y plasmado tan brillantemente el guión de Kelly Masterson como Lumet.
Otro punto fuerte de la cinta son sus interpretaciones, la película cuenta con una cartel de lujo y los actores no nos defraudan; Philip Seymor Hoffman, probablemente el actor del siglo hace un brillante trabajo como Andy y crea un personaje sin escrupulos, a la vez que tierno, ingenuo y lleno de matices, por su parte Ethan Hawke le da la réplica a Hoffman con una buena actuación con un personaje muy dificil como lo es Hank, pero lo mejorcito también esta en los secundarios, Marisa Tomei, esta perfecta en el papel de esposa florero de Andy, pero es el veterano Albert Finney quién nos brinda la actuación más emotiva, dura y fuerte del elenco.
Antes que el diablo sepa que has muerto es durísima, cruel e irregular, con saltos de guión cada cual más intrincado, llena de suspense y de drama a la vez, con un final que emmudece, y también es, sin miedo a equivocarme la mejor película de 2008 y una obra maestra más en la filmografía de Sidney Lumet, de la vieja escuela. Hay que verla.

El silencio de los corderos (Jonathan Demme -1991)

"Un viejo amigo me espera para cenar" - Dr. Hannibal Lecter

Estamos delante de la que sin duda es la mejor película de terror o de suspense que ha dado la historia del cine, una cinta que ha sobrepasado el status de película para postumarse como un icono o un mito dentro del diccionariodel cine, y que ha encumbrado a su personaje a la posteridad cinematografíca, hablamos, sin duda, del doctor Hannibal Lecter y de su "El silencio de los corderos", un clase magistral de cine dirigida por el entonces desconocido Jonathan Demme, que cambió para siempre las películas sobre asesinos en serie o los "thrillers". Ganadora de los 5 Oscar principales (película, director, actor, actriz y guión), la película jamás fue superada por sus secuelas: Hannibal, El dragón rojo y Hannibal el comienzo del mal, que intentaron, con poca fortuna superar a la pieza original. Adaptando, una novela de Thomas Harris (creador del personaje), Ted Tally construyó un guión perfecto, que te atrapa de principio a fin, que contaba la historia de Clarice Starling, una joven estudiante del FBI, que pedía ayuda al doctor Hannibal (el Cannibal) Lecter, para atrapar a un asesino en serie llamado Buffalo Bill. Los papeles principales cayeron en Jodie Foster y Anthony Hopkins, que crearon dos personajes perfectos y duales que hoy en día son uno de los más famosos e enigmáticos de la historia del cine. La interpretación de Hopkins, es sin duda una de las mejores de la historia del cine, el galés se fusiona y se pone en la piel, del peligroso psicópata y crea un personaje, lleno de matices, extraño, misterioso, terrorifíco.
También hay que destacar la dirección de Demme, y su particular uso de la camára en primera persona y la frialdad y sobriedad con que dirige la cinta, digna de un viejo veterano como Scorsese o Spielberg.
Quién no haya visto esta película aún no podrá valorar el cine en su totalidad, y la importancia que tiene esta cinta para la evolución del cine moderno.

Secuencias mágicas de cine (SPOILER): Camino a la perdición

Título: Camino a la perdición (Road to Perdition)
Director: Sam Mendes
Año: 2002

Impresionante escena de una obra maestra de Mendes (gran y prometedor director), un film de ganstéres protagonizado por Tom Hanks, Paul Newman (su última actuación), Jude Law y Daniel Craig.
Sinopsis: En los oscuros años de la Gran Depresión, Michael Sullivan se debate entre la lealtad inquebrantable a su jefe, el Sr. Rooney, y su propia familia. Son tiempos duros en Rock Island, donde la mafia irlandesa impone su ley. La prohibición sigue estando vigente y gángsteres como Al Capone están en la cima de su poder. A pesar de todo, Michael Sullivan lleva una buena vida, pagada a base de violencia y de sangre.

La escena:

"Me alegro de que seas tu"
- Sr Rooney

Michael Sullivan (Tom Hanks), se ve obligado a matar a su jefe y mentor, el sr. Rooney (Newman), para proteger a su hijo de la mafia que dirige el segundo. La escena transcurre en una calle lluviosa a altas horas de la noche, no hay sonido ambiente, a pesar de ser un tiroteo no se oye ningun disparo, solo se oye la brillante banda sonora de Thomas Newman. La escena tiene una brillante fotografía a manos de Conrad L. Hall, con una sola toma que va desplazándose en el orden de los ganstéres al caer fulminados por la metralleta de Hanks. Hay que destacar la espléndida interpretación de Newman y Hanks y las últimas palabras que le dice el primero al último, justo antes de que Hanks acaba con su vida (y esta vez el ruido de la metralleta se hace audible). HAY QUE VERLA.

Maestros ocultos: Max Ophüls

Max Ophüls, era segun Kubrick su director favorito, este alemán nacido el 6 de mayo de 1902, fue un fantástico autor de dramas románticos, y nos dejó obras realmentes alucinantes, la majoría sobre el amor y sus consequencias, en especial el amor no correspondido, la trama siempre solía transcurrir en Viena su ciudad favorito, a pesar de haber estado allí solo un año, era un maestro de la cámara y solía utilizar tomas largas y en movimiento, normalmente en primera persona. Ophüls nos dejó fantásticas películas como La Ronda, Carta de una desconocida o El Placer.

Ophüls de origen judío, tuvo que exiliarse de su país natal después de el ascenso al poder del nazismo, y tuvo que marchar hacia Estados Unidos, sabiendo que no encontraría trabajo allí.
Pero allí fue rescatado por un fan suyo el director Preston Sturgess y pudo rodar obras como Almas desnudas. Ophüls no volvería a Europa hasta 1950, concretamente a Francia donde rodó sus mejores obras.

Actores: Martin Sheen

Ramón Gerardo Antonio Estévez, o mejor conocido como Martin Sheen, es una actor de descendencia española y irlandesa (de ahí viene su curioso nombre), hijo de Francisco Estévez nacido en Galicia y de Mary Phelan, nacida en Irlanda, este magnifico actor de larga filmografía nació en Dayton, Ohio, igual que su personaje en Apocalypse Now, el 3 de agosto de 1940, por lo tanto tiene ni más ni menos que 68 años. Es el padre del también actor Charlie Sheen (Platton, Dos hombres y medio-serie) y del director Emilio Estevez, que tuvo el privilegio de dirigir a su propio padre (Martin) en la película Bobby.

Martin Sheen es un gran actor, todo un veterano de la interpretación que comenzó su carrera con tan solo 20 años, después de participar en infinidad de series y telefilmes, un debutante a director de cine, Terrence Malick (casi nada), le invitó a participar en su primera película: Badlands (Malas Tierras), junto a la por entonces también desconocida Sissy Spacek. Después de un período de relajación y de participación en películas de baja categoría, pasará a la historia al interpretar al capitán Benjamin L. Willard en la obra maestra de Coppola, Apocalypse Now, en la cual durante el rodaje sufrió un severo ataque al corazón que le estuvo a punto de provocar la muerte.

Su tercer gran papel lo hace al interpretar al presidente de los Estados Unidos en la magnífica serie de televisión El ala oeste de la Casa Blanca, papel que desenpeñaria durante 154 episodios y que le valió un Globo de Oro.

Y por último su otro papel reseñable es en la reciente película de M. Scorsese, Infiltrados, película ganadora del Oscar, en la que interpreta a Queenan un capitán de la polícia de Boston.

A que no sabías….

…le han arrestado unas 70 veces, todas por protestas liberales

…sale mencionado en la canción de R.E.M , Electrolite

…hizo una audición para interpretar a Michael Corleone en El padrino

…ganó el premio a Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián por Malas Tierras.

Los mejores directores de la historia del cine

Que mejor manera de empezar un blog con la lista de los mejores directores de la historia del cine. Sin duda esta lista esta completamente hecha por mí, así que si uno no esta de acuerdo a de saber que solo es una opinión, la lista esta formada por diez personas, o mejor dicho diez maestros, genios, que para mí tendrían que ser imprescindibles en cualquier lista de cine.
Aparte del director ofrezco una pequeña descripción sobre su estilo y en mi opinión su mejor película.

1. Stanley Kubrick
Cineasta de culto y autor de algunas de las más polémicas y brillantes películas de la historia del cine, todo un visionario del futuro, adaptador de libros para crear sus películas, trata el lado oscuro de la naturaleza humana. Mejores películas: La naranja mecánica, 2001: una odisea en el espacio.

2. Martin Scorsese
El rey del cine de gánsteres y de obras de cine negro, películas taquilleras, analiza la indentidad italioamericana, sus historias suelen estar ambientadas en Nueva York, colabora con Robert de Niro. Mejores películas: Taxi Driver, Uno de los nuestros, Toro Salvaje.

3. Francis Ford Coppola
Autor de las mejores películas de la historia del cine, grandes superproducciones dramáticas, dirección de actores magnífica, apariciones de miembros de su familia.
Mejores películas: El padrino I y II, Apocalypse Now.

4. Roman Polanski
Director con mala fortuna, autor de múltiples géneros y adaptaciones literarias, cameos en sus películas, exploración psicológica. Mejores películas: Chinatown, El pianista

5. Fritz Lang
Pionero del expresionismo alemán del siglo XX, sus obras enfretan al individuo con la burocracia y abordan el abuso de poder. Mejores películas: Metrópolis, M, el vampiro de Dusseldorf.

6. John Ford
Realizador de westerns y dramas históricos, planos simples, pintor del paisaje. Mejores películas: La diligencia, Las uvas de la ira.

7. Terrence Malick
Largos planos de la naturaleza, aura de belleza, choque de culturas, distintos puntos de vista, narración lenta. Mejores películas: La delgada línia roja, Días del cielo.

8. Steven Spielberg
Gigante de Hollywood, dramas belícos y de ciencia ficción, cine de aventuras y de acción.
Mejores películas: La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan

9. David Lynch
Dramas inquietantes y enigmáticos, surrealismo y perturbación, colores vibrantes, creador de series para la televisión, círculo de colaboradores. Mejores películas: Terciopelo azul, Mullholland Drive.

10. Jim Jarmusch
Cineasta independiente, road-movies y mitos de los Estados Unidos, humor irónico, cámara fija.
Mejores películas: Extraños en el paraíso, Flores rotas

Carta de presentación

Al crear este blog no pretendo contradecir a nadie y solo pretendo dar mi humilde opinión sobre uno de mis hobbies favoritos que es el cine, intentaré compartir con los lectores (se que al principio costará encontrarlos), mi opinión sobre diferentes películas que he visto, mis realizadores favoritos, o un cúmulo de cosas relacionas con el séptimo arte.

Gracias.